《攝影美學七問》 @ 「Leya的城市漫遊」

本書以訪談對話錄的形式，記錄了阮義忠訪問陳傳興、漢寶得，及黃春明三人的對話，藉由七項問與答延伸出關於影像本質的種種思考，並系統性地推導出屬於攝影的美學概念。在前五問中，阮義忠訪問了赴法十年攻讀攝影與錄影藝術、任教於清大的陳傳興，我曾在大二時修過他的「身體與表演」課，對其行事作風印象深刻。

此書出版的原因在於替攝影這門「藝術」整理出一個體系來，對此陳傳興說得好：「也許因為攝影太普遍的緣故，有違『藝術以稀為貴』的原則，影像創作史上幾乎沒有神話可言，也幾乎沒有人把相機和人之間的關係闡釋成特別的創作模式，而成為所謂的美學體系。」故本書名為「七問」也表明了這是在影像本質上的探索，而非吹捧攝影神話。以下就吸引我的問題做摘錄及討論：

◇ 商業攝影、非商業攝影、純攝影

從一張Edward Weston於1927年所拍攝的純攝影作品「貝殼」談純攝影所表現出的「攝影性」，對此陳傳興言：「純攝影是如此強調物品本身，就如同商業攝影在強調產品一樣，他們都是十分即物性的、後設（meta-）的。」所謂後設的態度，就是以攝影語言為主要處理對象，而非只是去拍攝與重複物體的再現，我個人解讀是，以攝影語言去詮釋物品，而不以為人所熟知的方式去呈現，就像畫筆筆觸能表現出繪畫性，物品在攝影器材下是灰階的、銳利的、針對細部做凸顯放大而顯得抽象的，突破攝影寫真、紀錄功能以外的可能性。

純攝影改變了攝影與對象物的主從關係，此時攝影才是主體，無須忠實呈現物品的色澤、樣貌、用途，而是改造對象成為它的影像語言。以之前上課看的Edward Weston作品為例，青椒不再是觀者所預設的蔬菜的樣子，反而十分近似於扭轉與纏繞的人體，貝殼也被重新定義，以和陽具形狀上的相關，加上攝影的銳利度，做出強烈的視覺暗喻，用攝影媒材特有的冷調客觀與銳利手法詮釋物品，使觀者心理上感到驚奇與困惑，視覺上也受到如觸感般的刺激，同時喚起觸覺的記憶。

◇ 矛盾面：藝術創作與攝影與生俱來的見證性

首先是藝術的定義問題。若藝術給人的感覺是與世相隔而高不可攀的，那麼它和真實的牽扯太深便會使它「不那麼藝術」。這使我聯想到紀錄片跟導演創作間的關連。若定義好的紀錄片應是見證的功能大於創作的滿足，那麼紀錄片與藝術創作間的距離就拉遠了。班傑明在談論攝影表現能力的深廣時，總特別為攝影的地位大大重申一番：「一般人在論戰，總是繞著----攝影美學是不是藝術的圈子打轉，而幾乎沒有人從藝術與現實的關係來考量----藝術到底是不是攝影。」此嶄新的質問方式大膽顛覆了藝術與攝影的主從關係。

班傑明討論靈光(arua)，因十九世紀相機的粗糙而使被攝對象產生一種氛圍，如從內在散發出來的光線，再從現象學去討論攝影的本質---複製性，複製品不管如何忠實，總是缺乏「現在性」，它記錄的是一個曾在此而非現在發生的事物。書中附了一張尤金‧阿傑特在1899年拍攝的載貨工，跟他留下來的那些二十世紀初的巴黎街頭照片一樣，著實傳達出攝影把「過去式再現」的獨特魅力。

從圖書館裡借出來的書，捧在手上翻閱時，散出濃濃的煙味，我猜想前一個借閱者是誰，是否藉在煙霧繚繞的空間裡停頓、吐納、吸收、找答案，在養成裡亦步亦趨，在作業裡思緒翻飛，這是紙本無可取代的價值。想到昨天小舅送我一張他翻出的，我小時候的照片，泛黃的相紙捏在手中，那種「曾在此」的感受跟數位照片很不一樣。